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中国音乐剧在市场端和创作端都爆发出强大生命力。以上海专业剧场演出数据为例，2024年主要53家剧院、82个剧场共演出11463场，观众逾543万人次，票房11.78亿元。其中，音乐剧是核心增长极。根据中国演出行业协会的数据，2024年1至10月份，上海音乐剧体量占全国市场份额的56%，上海“音乐剧之都”的地位持续巩固。上海文广演艺集团多年深耕音乐剧赛道，在2023年推出《剧院魅影》中文版后又于2025年引进英国音乐剧《Six》。2025年10月，本土原创音乐剧《风声》在西岸大剧院连演30场，以总票量48000张票成为单轮原创音乐剧体量与票房高峰。音乐剧具有的高情感依赖、高观众黏性、受众消费力强的特点，使其实现连续几年的市场增长。并且，音乐剧平均票价高出话剧2到3倍，即便总场次还不到话剧的一半，但票房总收入已直逼话剧。其中，演艺新空间的蓬勃发展为逐年攀高的音乐剧年均增长率作出巨大贡献，这些项目小而精致，可以及时根据市场趋势调整帝一娱乐手机app下载，且已经从引进国外小型音乐剧版权逐步转向原创，内容更加适配本地观众。

话剧领域“经典改编+原创现实”双轨格局明显。如上海话剧艺术中心话剧《清明上河图密码》凭借IP号召力成为2024年爆款，又在2025年全国巡演50场，并继续开发第二部形成“清密宇宙”。陕西人艺扎根“茅奖”作品，继《白鹿原》《平凡的世界》后又推出《主角》与《生命册》，屡获大奖。话剧票房收入仍然高居各类剧场演出榜首，在2023年经历了一小波高峰，但在2024年场次与票房收入同比分别下滑32%与38%。笔者预期，2025年话剧票房将在所有舞台表演门类中失去绝对优势。

如2023年，由王安忆同名小说改编的话剧《长恨歌》在首演20周年之际推出上海话版，观众评价其“用沪语演绎出上海女性骨子里的坚韧与骄傲”，该剧三轮演出单轮平均票量接近万张、销售率超过90%，印证了优质女性题材的市场潜力。音乐剧《Six》以亨利八世六位王后的现代叙事重构历史，在美琪大剧院开票即售罄，后经历几轮加场，共演出64场，最高单场票房接近70万元，其“女性互助”意涵在社交媒体引发热议。女性叙事创作风潮在舞剧与歌剧领域也有所体现，如舞剧《李清照》、歌剧《梦华录》都以女性觉醒成长为主题，成为市场关注点。“女性叙事”的行业热潮与剧场观众群体的变化不无关系。以上海大剧院、上海文化广场和上海话剧艺术中心近三年的会员数据来看，2022年，三家单位女性会员占比分别为64%、54%和87%，2024年分别为68%、62%和87%。女性观众数量不但基础体量雄厚，且处在上升阶段。

在女性题材快速扩张中，创作同质化问题也日益凸显。有一系列作品存在“爱情悲剧+自强不息+终成正果”的雷同设定，部分作品甚至出现情节照搬现象。有观众评论直言“所有女主都在隐忍中觉醒，看得审美疲劳”。对此，笔者认为，与单一的女性“逆风成功”，或者简单由依赖男性到摆脱男性相比，或许将焦点对准“人性”的成长，会比将故事简单放入性别的二元对立维度更为丰富，也更值得思考。缺乏逻辑的单方面宣扬，并非对女性的真正尊重。

粉丝效应在近三年成为激活演出市场的重要力量，但“流量变现”之后，行业还面临着可持续性的深层考验。当下，演出市场通过“以人带戏”呈现两种结果：专业演员以及头部演员的粉丝群体能够支撑起长期票房，而仅靠流量明星驱动但创作质量并不突出的项目则难以获得长期正向市场反馈。甚至，一些质量欠佳的作品，出现有流量演员加入的场次票房顷刻售罄，流量演员不参与则门可罗雀的情况。

“以人带戏”在带来票房的同时，也引发了诸多非理性的观演现象。以粉丝效应最为典型的音乐剧市场为例，粉丝与粉丝之间的“团战”将演员推向风口浪尖，他们的观演过程更像是在为自己的偶像站台、呐喊。票房持续高涨背后，原创音乐的匮乏、项目无法长期运营、原创题材无法转化为产品等问题却被一浪高过一浪的呐喊声淹没。在票房增长率逼近音乐剧的舞剧领域，“为卡买票”(卡即卡司，英文cast的中文音译，意指演员阵容)的惯性早已形成，却引发了观演关系的紧张。如舞剧《红楼梦》以演出300场，覆盖34城、吸引45万观众的成绩，尽显其市场爆发力。在该剧第300场演出前，粉丝为抢纪念场门票通宵排队。演出当日，观众着汉服逛红楼市集，但当大幕拉开，观众愕然发现演出起用了全新人阵容，与“百场必强卡”的预期落差巨大，导致谢幕时观众现场大喊“退票”，社交平台“吐槽”刷屏。让核心舞者成为“流量”和“票房”的代名词，如此一来市场确实繁荣，但观众对核心舞者的强需求，让院团梯队建设陷入“不推新人无后备，推新人失票房”的矛盾中。这意味着，一旦核心舞者缺席，依赖“以人带戏”建立的热度便会岌岌可危——300场安排新人挑大梁，既源于“培养传承者”的诉求，更源于对核心舞者的过度透支，“以人带戏”亟须转向“以戏带人”。

盗版侵权严重侵蚀市场根基。如当我们在社交媒体搜索《觉醒年代》，就能得到一大批标题相似的演出信息，有些甚至用了原版话剧《觉醒年代》的海报、角色造型以及视频片段。还有不少标题含有“觉醒年代”字样的项目进入全国各城市标志性剧场，事实上，电视剧《觉醒年代》版权方只授权给两家单位制作舞台剧版本。同样，伴随着江苏大剧院原创舞剧《红楼梦》的火爆，不断有打着舞剧《红楼梦》旗号的同名同类作品出现，一些观众在购票时只关注“红楼梦”三个字却忽略出品方，等走进剧场大幕拉开，发现上演剧目并非心中所盼的那个“红楼梦”时，则为时已晚。在法律层面，全国范围内舞台作品侵权事件的成功诉讼案例少之又少，这是因为不仅取证过程复杂且有时效性要求，往往取证结束演出也已结束，而且侵权行为此起彼伏，维权行为成本极大。这些现状不仅直接损害创作者与版权方的经济利益，削弱原作品牌价值，也削弱了原创积极性。

在演出热潮之下，观众的投诉事件也频频出现。投诉内容从传统的“票务问题”转向“内容质量”“服务体验”“虚假广告”深层维度，如“舞台布景缩水”“音响效果达不到标准演出效果”等。一些演出机构应对不当，不能及时解决问题，引发观众抵制。这些都呼唤着演出品质、剧院管理水平等的优化提升，以及行业规范的进一步建立。

近几年的演出市场变革，本质上是演出行业从“规模扩张”向“质量提升”的必然转型。在创作逻辑上，从业者应从“题材跟风”转向“价值深耕”。无论何种题材，只要深入挖掘人性价值与时代精神，就能获得市场认可。如女性题材也可以跳出仅凭情感呐喊的单一逻辑，而向探索社会心理、人际沟通、未来生活模式探讨等多领域拓展，形成差异化表达。在运营逻辑上，要逐步实现从“粉丝依赖”到“观众培育”的升级。观众群迭代迅速，观众培育并非一劳永逸，而是一项长期工程；关注作品内容应当永远是演艺行业发展的主旋律，如何打造符合时代与观众内心真正渴望的作品才是真正值得投入人财物的“王道”。此外，还亟须建立全链条行业保障体系，创造一个良性竞争与淘汰的行业机制。

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